CECILIANISMO
Por ejemplo, la música de Anton Bruckner
Tuvo especial importancia en Italia, cuyo representante más prestigioso e influyente fue Lorenzo Perosi, aunque se considera que el verdadero iniciador de este movimiento de renovación fue Giovanni Tebaldini (el organista predecesor de Perosi en la Basílica de San Marcos de Venecia). En 1880 se fundó en Italia la Asociación General Cecilianista.
Otros importantes defensores del Cecilianismo en Italia fueron Raffaele Casimiri, Oreste Ravanello, Federico Caudana (organista y maestro de capilla de la catedral de Cremona), Raffaele Manari, Luigi Bottazzo, Marco Enrico Bossi yFilippo Capocci (maestro de capilla de la basílica de San Juan de Letrán de Roma).
Otros importantes defensores del Cecilianismo en Italia fueron Raffaele Casimiri, Oreste Ravanello, Federico Caudana (organista y maestro de capilla de la catedral de Cremona), Raffaele Manari, Luigi Bottazzo, Marco Enrico Bossi yFilippo Capocci (maestro de capilla de la basílica de San Juan de Letrán de Roma).
Lorenzo Perosi, Missa Pontificalis
Lorenzo Perosi. Libera me, Domine
Lorenzo Perosi. Missa Secunda Pontificalis
Raffaele Casimiri
Oreste Ravanello
Arquitectura ecléctica y el re-uso de formas góticas, se consolida el "método científico" pero se deja de lado la razón para exponer el sentimiento, por un lado grades orquestas y luego el nacimiento del virtuoso profesional, las formas musicales siguen siendo pero hay una búsqueda por la interpretación única de las mismas. El siglo XIX está lleno de contradicciones, cambios y evidentemente "vanguardia". Como en publicaciones anteriores las vanguardias y la constante búsqueda de renovación y autenticidad nos muestran que el romanticismo ha sido un parte-aguas en la historia de la música y el mundo.
Una parte de la historia musical que va del periodo romántico hace hincapié en lo importante que fueron los cambios que surgieron en la música orquestal y las consecuencias significativas para el mundo:
-ORQUESTA CLÁSICA:
"A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales.Las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de pedales de la orquesta, con lo que el bajo continuo vio disminuido su papel. De hecho, la desaparición del continuo comenzó hacia 1760, aunque no fue totalmente abolido en la práctica musical hasta finales del siglo XVIII. El órgano y el clave, como sustentadores del desarrollo armónico, cumplieron, aún durante algún tiempo, un significativo papel en la música sacra y en la realización del recitativo seco. El clarinete fue empleado de manera intermitente en la primera mitad del siglo XVIll -se dice que la primera mención de este instrumento en una partitura, concretamente en una misa de Faber, data de 1720-. Sin embargo, compositores como Haendel y Rameau lo incluyeron en muy pocas obras. En cambio la renombrada Orquesta de Mannheim lo convirtió en instrumento fijo, incorporando dos al conjunto hacia 1758 y fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.".jpg)
"Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal, que mejoraron su flexibilidad, especialmente en el registro agudo, cobrando un nuevo protagonismo. El trombón se establece como integrante de la orquesta. También se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el arpa, así como el piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta... El piano aparece ocasionalmente como miembro de la orquesta, no únicamente como solista. La percusión es la sección que más tardará en tomar su forma definitiva, utilizándose instrumentos como las castañuelas y los platos para conseguir diversos efectos sonoros. El papel de director se independiza definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un artista por derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta."
Estas innovaciones no se quedaron sólo en el tamaño de la orquesta, la música orquestal se vio influenciada por las ideologías de la época y el incremento de sus recursos puso a disposición nuevas formas: La música programática y el poema sinfónico.
"La música programática es descriptiva y tiene por objeto evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente. El hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una novedad (recordar “Las cuatro estaciones” de Vivaldi), sin embargo, es en el romanticismo cuando surgen géneros nuevos capaces de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música programática: La sinfonía programática y el poema sinfónico."
MÚSICA PROGRAMÁTICA
POEMAS SINFÓNICOSMÚSICA PROGRAMÁTICA
"The fall of the leaf"
¿Qué es un poema sinfónico?
Es una obra de origen extramusical, ya sea poética o realista (relación con conceptos de la pintura, la poesía, el teatro, los paisajes naturales y otras fuentes), cuya finalidad es describir con música la trama de algo planteado literariamente que despierte sentimientos y sensaciones.
El poema sinfónico es, además, una clase de música orquestal que pertenece a la categoría general de música programática y es la inspirada en un programa, por ejemplo en una idea no musical, generalmente indicada en el título y a veces descrita en notas explicativas o en un prólogo. Suele tener un único movimiento, pero no es excluyente, para diferenciarlo de la sinfonía con programa, aunque muchas obras tratadas como sinfonías pueden considerarse poemas sinfónicos como sucede en algunas composiciones de Héctor Berlioz, compositor francés (1803-1869) que son descriptivas.
El equivalente alemán de poema sinfónico, Symphonische Dichtung se empleó por primera vez en 1854 aplicado a la ejecución de Tasso, de Franz Liszt (1811-1886), en Weimar. Esta composición se basa en el poema homónimo de George Gordon Byron.
EL AUGE DEL PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores y de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones: La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias burguesas hubiese un piano puesto que era sinónimo de calidad de vida. Familiares y amigos solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él. Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de interpretar reducciones de obras de orquesta. Por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en él un medio de comunicación para expresar pasiones y sentimientos.
En el Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
• Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración y de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista) Los compositores más representativos de este género fueron Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o Chopin, que también abordará el piano lírico.
Beethoven, Sonatas
Liszt
Liszt
• Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. En este género destacan Chopin y Schumann que crearon piezas que denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, o nocturnos. Promovidos por el espíritu nacionalista también realizaron obras basadas en danzas o temas populares de sus territorios como las polonesas o las mazurcas.
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